{"id":10904,"date":"2024-11-18T17:22:02","date_gmt":"2024-11-18T17:22:02","guid":{"rendered":"https:\/\/alianzahispanica.es\/?page_id=10904"},"modified":"2024-11-18T17:57:34","modified_gmt":"2024-11-18T17:57:34","slug":"darse-la-mano","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/darse-la-mano\/","title":{"rendered":"Darse la mano Escultura y color en el Siglo de Oro"},"content":{"rendered":"\n

Eduardo Jaudenes de Salazar CEO de ARTEDEI<\/p>\n\n\n\n

\"\"<\/figure>\n\n\n\n

Darse la mano<\/h1>\n\n\n\n

Una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte, que demuestra de forma clara la idea de que el Museo del Prado no s\u00f3lo es la mejor pinacoteca del mundo, sino que tambi\u00e9n, con sus mil esculturas, es uno de los mejores museos del mundo en escultura.<\/p>\n\n\n\n

Contiene un di\u00e1logo entre cuadros y esculturas y entre esculturas cl\u00e1sicas sin color, calificadas de cad\u00e1veres muertos y que se dejaron de lado en el renacimiento y que vuelven en el barroco con color.<\/p>\n\n\n\n

Una aut\u00e9ntica joya de exposici\u00f3n que por su calidad, selecci\u00f3n de obras y belleza no te puedes perder bajo ning\u00fan concepto.<\/p>\n\n\n\n

Hasta el 2 de marzo de 2025 el Museo del Prado y la Fundaci\u00f3n AXA presentan, en las salas A y B del edificio Jer\u00f3nimos, \u201cDarse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro\u201d, una exposici\u00f3n que reflexiona sobre el \u00e9xito de la escultura policromada barroca y su complementariedad con la pintura. Lo hace mediante una espectacular escenograf\u00eda que acoge casi un centenar de esculturas de grandes maestros como Gaspar Becerra, Alonso Berruguete, Gregorio Fern\u00e1ndez, Dami\u00e1n Forment, Juan de Juni, Francisco Salzillo, Juan Mart\u00ednez Monta\u00f1\u00e9s o Luisa Rold\u00e1n. Junto a ellas, pinturas y grabados que, como en un juego de espejos, las emulan o reproducen, y piezas cl\u00e1sicas que dan testimonio de la importancia del color en la escultura desde la Antig\u00fcedad.<\/p>\n\n\n\n

Comisariada impecablemente por Manuel Arias Mart\u00ednez, Jefe de Departamento de Escultura del Museo Nacional del Prado, la exposici\u00f3n reivindica la importancia de la escultura policromada para una comprensi\u00f3n integral del arte espa\u00f1ol y presenta por primera vez al p\u00fablico cinco importantes obras recientemente adquiridas por el museo: Buen<\/em> y Mal ladr\u00f3n<\/em> de Alonso Berruguete, San Juan Bautista<\/em> de Juan de Mesa y Jos\u00e9 de Arimatea y Nicodemo<\/em>, pertenecientes a un Descendimiento<\/em> castellano bajomedieval.|-<\/a>Comisario:Manuel Arias Mart\u00ednez, Jefe del departamento de Escultura del Museo Nacional del Prado.<\/p>\n\n\n\n

El pintor y tratadista Antonio Palomino, al elogiar la escultura del Cristo del Perd\u00f3n, que tall\u00f3 Manuel Pereira y policrom\u00f3 Francisco Camilo, conclu\u00eda su comentario diciendo: \u201cAs\u00ed la pintura como la escultura, d\u00e1ndose las manos, componen un prodigioso espect\u00e1culo\u201d. La s\u00edntesis de volumen y color, que entroncaba con una tradici\u00f3n ininterrumpida desde la Antig\u00fcedad cl\u00e1sica, triunf\u00f3 de manera especial en el mundo hisp\u00e1nico del Siglo de Oro y constituye uno de los cap\u00edtulos m\u00e1s fascinantes de nuestra creaci\u00f3n art\u00edstica.<\/p>\n\n\n\n

La escultura devocional, en la que lo divino cobraba una forma tangible y corp\u00f3rea, aumentaba su eficacia comunicativa cuando se fusionaba con el color, entendido este no como un mero adorno sino como parte imprescindible de la pieza, al otorgarle una apariencia m\u00e1s cercana y veros\u00edmil. Escultores y pintores trabajaron al un\u00edsono para crear unas obras en las que ambas labores se fund\u00edan con perfecci\u00f3n, superando la rivalidad entre estas artes hermanas. Al mismo tiempo, la escultura pintada se convirti\u00f3 en un arma doctrinal cuya intensidad se incrementaba al sacar todo el partido a sus valores esc\u00e9nicos, ya fuera al formar parte de una procesi\u00f3n o al ser representada en un lienzo. Se erigi\u00f3 as\u00ed en una herramienta ideal al servicio de la oratoria y la persuasi\u00f3n, un apoyo fundamental en la transmisi\u00f3n del mensaje sagrado.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n I. Dioses y hombres de bulto y de colores<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
Venus tipo Lovatelli con idolillo<\/em>Taller pompeyanoSiglo I d. C. M\u00e1rmol de Paros y restos de policrom\u00eda.N\u00e1poles, Museo Archeologico Nazionale di Napoli<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

El arte de la escultura y sus primeros materiales, como el barro, la piedra o el hueso, estuvieron presentes en los relatos sobre la creaci\u00f3n de los seres humanos desde los tiempos m\u00e1s remotos, comenzando por los mitos griegos, en el primer hombre modelado por Prometeo o en las piedras arrojadas por Deucali\u00f3n y Pirra tras el diluvio, y siguiendo por la historia b\u00edblica de Ad\u00e1n y Eva. Emular la figura humana por medio de la escultura se vio pronto como algo necesario y natural. Tambi\u00e9n la divinidad cobrar\u00eda en esa forma una apariencia m\u00e1s carnal y protectora, que acrecentaba su veracidad cuando se cubr\u00eda de color, atributo esencial de la vida frente a la palidez de la muerte.<\/p>\n\n\n\n

Desde la Antig\u00fcedad, el color fue incorporado al volumen tanto mediante el uso de materiales de diverso cromatismo como aplicando pigmentos directamente sobre las superficies. Ambas posibilidades confluir\u00edan en el mundo hisp\u00e1nico de la Edad Moderna, donde, con la madera como protagonista, los postizos convivieron con refinadas labores de policrom\u00eda. La uni\u00f3n de escultura y color no solo logr\u00f3 entonces elevadas cotas de excelencia, sino que potenci\u00f3 la eficacia devocional de las im\u00e1genes, su capacidad para convencer y emocionar.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n II. Escultura para la persuasi\u00f3n<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
La lactaci\u00f3n de san Bernardo<\/em>Alonso Cano1645-52 y 1657-60. \u00d3leo sobre lienzoMadrid, Museo Nacional del Prado<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La corporeidad de la escultura propiciaba una correspondencia directa y natural con la realidad, y al mismo tiempo dotaba a lo divino de una apariencia tangible y humana, que se hac\u00eda m\u00e1s cre\u00edble a trav\u00e9s de la gestualidad. La literatura devota quiso que las im\u00e1genes m\u00e1s famosas hablaran, se movieran, cambiaran su tonalidad, se entristecieran o llorasen; en definitiva, que establecieran una comunicaci\u00f3n directa con el fiel, como si estuvieran realmente vivas.<\/p>\n\n\n\n

Te\u00f3logos y predicadores alimentaron estas historias prodigiosas y muchos defendieron la veracidad palpable de lo escult\u00f3rico frente al ilusionismo de lo pict\u00f3rico, cuya belleza era visible pero inasible. Las mayores posibilidades narrativas de la pintura sirvieron sin embargo para dejar testimonio de sucesos milagrosos, contribuyendo a fijar en la memoria historias en las que lo natural y lo sobrenatural se confund\u00edan.<\/p>\n\n\n\n

Tambi\u00e9n la estampa desempe\u00f1\u00f3 un papel fundamental a la hora de difundir las principales devociones escult\u00f3ricas. Gracias a la ligereza y la accesibilidad del papel, sus valores taumat\u00fargicos y sanadores se extendieron en el tiempo y el espacio.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n III. Art\u00edfices y mediadores divinos y humanos<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
La Inmaculada Concepci\u00f3n<\/em>Gregorio Fern\u00e1ndezh. 1630. Madera policromada, plata y postizosMonforte de Lemos (Lugo), monasterio de Santa Clara<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La singularidad y el prestigio de algunas esculturas devotas se apoyaba en leyendas que atribu\u00edan su creaci\u00f3n a talleres ang\u00e9licos o a personajes b\u00edblicos como Nicodemo o san Lucas. No obstante, tambi\u00e9n los art\u00edfices convencionales de figuras sagradas deb\u00edan ser virtuosos, porque su tarea trascend\u00eda el mero ejercicio art\u00edstico.<\/p>\n\n\n\n

El culto a san Jos\u00e9 y a su oficio de carpintero cobr\u00f3 especial importancia. El taller donde transcurri\u00f3 la infancia de Cristo sirvi\u00f3 como met\u00e1fora de su posterior martirio en la cruz, y la trabajosa labra de la madera por parte del escultor como imagen de la vida cristiana entendida como un ejercicio de privaci\u00f3n y renuncia encaminado a alcanzar la eternidad.<\/p>\n\n\n\n

Junto a la idea muy com\u00fan del Dios pintor, los sermones tambi\u00e9n emplearon su imagen como supremo escultor. A \u00e9l deb\u00eda el ser humano su forma primera, pero correspond\u00eda a cada hombre o mujer, a trav\u00e9s de sus actos, \u201cpolicromar\u201d la obra divina con mayor o menor fortuna. Escultura y pintura se fund\u00edan as\u00ed en una s\u00edntesis perfecta al servicio del relato sagrado.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n IV. Volumen y policrom\u00eda<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
Mar\u00eda Magdalena<\/em>Juan de Juni (escultor) y Juan Tom\u00e1s Celma (policromador)1551-70. Madera policromadaValladolid, Museo Nacional de Escultura<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La acci\u00f3n combinada de la escultura y la pintura persegu\u00eda la verosimilitud tanto de la anatom\u00eda como de su envoltura textil. La tercera dimensi\u00f3n hac\u00eda m\u00e1s cre\u00edble la humanidad de los santos, pero su efecto solo estaba completo cuando se incorporaba el color. \u201cCada figura, por perfecta que sea en la escultura, es un cad\u00e1ver\u201d, escrib\u00eda en 1677 el benedictino Gregorio de Argaiz, y a\u00f1ad\u00eda: \u201cQuien le da vida, y alma, y esp\u00edritu, es el pincel que representa los afectos del alma. La escultura forma al hombre tangible y palpable en cuanto a todos los miembros y partes que pertenecen a la corporeidad; mas la pintura dale la vida\u201d.<\/p>\n\n\n\n

Gracias a su bajo coste y a su arraigada tradici\u00f3n, la madera se alz\u00f3 como el material por excelencia de la escultura, susceptible de colorearse para simular la piel, pero tambi\u00e9n vestidos que pod\u00edan adaptarse a la moda de cada momento. El trabajo de la policrom\u00eda, ya fuera obra del autor de la talla o de un artista especializado, alcanz\u00f3 una enorme sofisticaci\u00f3n t\u00e9cnica y una gran consideraci\u00f3n. El resultado pod\u00eda realzarse con telas encoladas o reales, pero tambi\u00e9n con joyas, marfil, vidrio o pelo aut\u00e9ntico. Todo ello para crear representaciones familiares y cercanas, con las que los fieles se identificaban con naturalidad.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n V. Negro de luto en un juego de espejos<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
La Virgen de la Soledad<\/em>Atribuido a Sebasti\u00e1n Herrera Barnuevoh. 1665. \u00d3leo sobre lienzoMadrid, Museo Nacional del Prado<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La imagen de la Virgen de la Soledad, venerada en el convento de la Victoria de Madrid desde 1568 y perdida en un incendio en 1936, constituye un paradigma de la interrelaci\u00f3n entre pintura y escultura. Nacida en el contexto cortesano tridentino, como ense\u00f1a de una cofrad\u00eda penitencial bajo la protecci\u00f3n de la reina Isabel de Valois, se concibi\u00f3 con una intenci\u00f3n que le proporcionaba un valor a\u00f1adido: ser llevada en procesi\u00f3n.<\/p>\n\n\n\n

Su singularidad se fundaba asimismo en su hechura milagrosa. La leyenda presentar\u00eda a su art\u00edfice, Gaspar Becerra, como una suerte de m\u00e9dium en contacto con la divinidad, que le dar\u00eda las instrucciones para crear la ic\u00f3nica obra, una escultura de vestir cubierta con un sencillo atuendo de luto blanco y negro. Encontramos aqu\u00ed un nuevo v\u00ednculo con la Antig\u00fcedad, donde el negro ya era expresi\u00f3n visual del dolor y la muerte.<\/p>\n\n\n\n

La Soledad ejemplifica adem\u00e1s el potencial de la interacci\u00f3n entre escultura, pintura y estampa. Reproducida y copiada hasta la extenuaci\u00f3n, recreada y reinterpretada por los artistas m\u00e1s famosos y en todos los medios, como en un juego de espejos, se convirti\u00f3 en una de las devociones m\u00e1s netamente hisp\u00e1nicas, difundida desde Filipinas hasta Nueva Espa\u00f1a y desde Sicilia hasta Flandes.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n VI. Escultura, teatro y procesi\u00f3n<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
Sed tengo<\/em>Gregorio Fern\u00e1ndez1612-16. Madera policromada y postizosValladolid, Museo Nacional de Escultura<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Animadas por la fuerza vivificadora del color, las esculturas en madera dieron alas al fen\u00f3meno procesional, que a su vez les otorgar\u00eda un nuevo poder: la conquista del espacio urbano. Los pasos procesionales, ya fueran de figuras individuales o de grupo, como escenas congeladas, potenciaron los valores dram\u00e1ticos por medio de las actitudes contrastadas, el vivo cromatismo o el dinamismo de las composiciones. A su expresividad y capacidad comunicadora contribuir\u00eda asimismo el atractivo de su contemplaci\u00f3n en movimiento. Algunas figuras, incluso, se articulaban para aumentar su efecto y su influencia sobre los fieles.<\/p>\n\n\n\n

Estas formas de religiosidad popular ser\u00edan cuestionadas por los ilustrados. Uno de ellos, el padre Isla, lleg\u00f3 a calificar esas im\u00e1genes y sus representaciones esc\u00e9nicas de \u201ct\u00edteres espirituales\u201d.<\/p>\n\n\n\n

La policrom\u00eda tambi\u00e9n desempe\u00f1\u00f3 un papel fundamental en esa b\u00fasqueda de la verosimilitud, tanto la de los atuendos como la de la anatom\u00eda. La tonalidad de la piel segu\u00eda c\u00f3digos muy concretos para diferenciar el origen o el temperamento de los distintos personajes, y en definitiva para adoctrinar a quienes los contemplaban.<\/p>\n\n\n\n

Secci\u00f3n VII. El c\u00edrculo cerrado, de la traza al trampantojo a lo divino<\/h3>\n\n\n\n
\"Secci\u00f3n
Santo Domingo de Guzm\u00e1n<\/em>Claudio Coelloh. 1685. \u00d3leo sobre lienzoMadrid, Museo Nacional del Prado<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

La interrelaci\u00f3n entre escultura y pintura tuvo en los proyectos dibujados para los altares y retablos una de sus m\u00e1s interesantes manifestaciones. Durante los oficios sagrados, la palabra y la m\u00fasica se fund\u00edan con estas espectaculares estructuras para crear una obra total, al modo de una gran \u00f3pera.<\/p>\n\n\n\n

Para ocasiones especiales, como la Semana Santa, se idearon los velos de Pasi\u00f3n, grandes telones que reproduc\u00edan el retablo que ocultaban con los tonos p\u00e1lidos de la muerte. Eran pinturas a imitaci\u00f3n de la escultura y la arquitectura, que aportaban una nueva apariencia a la obra tridimensional, en un sugestivo juego entre lo plano y lo volum\u00e9trico.<\/p>\n\n\n\n

Una idea similar se escond\u00eda tras los \u201cverdaderos retratos\u201d que se pintaron de las esculturas con una mayor fortuna devocional, trampantojos a lo divino que las mostraban en sus propios altares, a menudo flanqueadas por cortinas que, si en la realidad sol\u00edan permanecer cerradas, velando el misterio, en estas pinturas se mostraban permanentemente abiertas, permitiendo una contemplaci\u00f3n m\u00e1s \u00edntima y cercana, porque \u201cas\u00ed la pintura como la escultura, d\u00e1ndose las manos componen un prodigioso espect\u00e1culo\u201d.<\/p>\n\n\n\n

\"Venus
Venus tipo Lovatelli con idolillo<\/strong>Taller pompeyanoM\u00e1rmol de Paros y restos de policrom\u00edaSiglo I d. CN\u00e1poles, Museo Archeologico Nazionale di<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

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Eduardo Jaudenes de Salazar CEO de ARTEDEI Darse la mano Una muestra de asistencia obligada para todos los amantes del arte, que demuestra de forma clara la idea de que el Museo del Prado no s\u00f3lo es la mejor pinacoteca del mundo, sino que tambi\u00e9n, con sus mil esculturas, es uno de los mejores museos […]<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"parent":0,"menu_order":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","template":"","meta":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/10904"}],"collection":[{"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages"}],"about":[{"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/types\/page"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=10904"}],"version-history":[{"count":2,"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/10904\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":10916,"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/pages\/10904\/revisions\/10916"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/alianzahispanica.es\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=10904"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}