EDUARDO JAUDENES DE SALAZAR (CEO DE ESCENADEI)
FAISANDAGE UN CADAVER DELICIOSO EN LOS TEATROS LUCHANA
VARIACIONES ENIGMATICAS EN EL TEATRO INFANTA ISABEL
AMORES FLAMENCOS EN EL TEATRO LA LATINA
Por Eduardo Jaudenes de Salazar
La máquina de Turing es una magnífica obra de teatro basada en una historia de Benoit Solès bajo la diestra dirección de Claudio Tolcachir
Manchester. Invierno de 1952. Tras haber sufrido un robo en su casa, el profesor Turing presentó una denuncia en la comisaría. Debido a su aspecto poco convencional, al principio el sargento Ross no lo toma en serio. Pero su presencia no escapa a los servicios secretos. Y por una buena razón, Alan Turing es un hombre con muchos secretos… Desde su increíble determinación de descifrar el código «Enigma», hasta su carrera irreprimible para entender el «código» de la naturaleza, descubrimos a un hombre atípico y entrañable, inventor de “Una máquina pensante”, auténtica génesis de la inteligencia artificial y las computadoras…
Marcado para siempre por la muerte de su amigo de la infancia, Christopher, Alan Turing finalmente será condenado por homosexualidad y terminará sus días, al igual que Blancanieves, comiéndose una manzana envenenada… Aquí está el extraordinario destino de un genio que permaneció injustamente en la sombra y que fue aplastado por la bien pensante maquinaria de la Inglaterra de los años cincuenta.
¡Un hombre que había cambiado el mundo!
AUTOR BENOIT SOLÉS (inspirado en la obra de Hugh Whitemore Breaking The Code, basada a su vez en Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges)
Magníficamente interpretada por Daniel Grao y Carlos Serrano
Con una espléndida dirección de Claudio Tolcachir
Iluminación acertada de Juan Gómez Cornejo
Fondo escenográfico y vídeo de Emilio Valenzuela, que subraya y potencia la historia
Un buen trabajo de Olvido Orovio como productora ejecutiva
Ana Jelín en la diestra dirección de producción
Una impecable producción y distribución de: Producciones Teatrales Contemporáneas
Entre el 22 de octubre y el 15 de noviembre de 2020
Inspirado en Breaking The Code, de Hugh Whitemore, basada en Alan Turing: The Enigma, de Andrew Hodges
Sala Verde. Duración: 1h 30min
Encuentros con el público: 24 de octubre, con el director, y 29 de octubre, con los actores
ESPLÉNDIDO FILM DOCUMENTAL SOBRE EL INSIGNE FRANCISCO UMBRAL
Por Eduardo Jaudenes de Salazar
Anatomía de un dandy, es un espléndido film documental sobre el insigne Francisco Umbral, sin lugar a dudas, el mejor escritor que supo reflejar la sociedad española del último cuarto del siglo veinte
Desmontar una figura con tantas capas y máscaras como Francisco Umbral es el punto de partida de Anatomía de un dandy, el retrato de uno de los uno de los periodistas y escritores más importantes de la lengua española de la segunda mitad del siglo XX.
Dirigida por Charlie Arnaiz y Alberto Ortega (Aunque tú no lo sepas, Un país en Labordeta, Generación instantánea) y participada por RTVE en la producción, el documental tuvo su estreno el 26 de octubre en la 65ª Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) durante la Gala del Cine de Castilla y León.
A través de una exhaustiva labor de documentación se han accedido por primera vez a documentos, como cintas de cassette con entrevistas íntimas e inéditas, que nos darán una nueva dimensión del personaje. Además, la película cuenta con valiosos testimonios de la viuda del escritor, amigos y compañeros de profesión, arrojando luz sobre algunos de los aspectos más desconocidos de su vida.
La película cuenta con la narración de Aitana Sánchez Gijón y la participación de grandes figuras de la cultura y el periodismo como la viuda de Umbral, María España, Raúl del Pozo, Juan Cruz, Manuel Jabois, Pedro J. Ramírez, Ángel Antonio Herrera, Antonio Lucas, David Gistau, Victoria Vera, Ramoncín, Bénédicte De Buron-Brun, Manuel Llorente, Fanny Rubio, Jorge Urrutia, Rosa Montero y Manuel Vicent.
Sinopsis
Decía Umbral que él solo sabía escribir memorias. Sin embargo, detrás del personaje creado por él mismo se encontraba una vida llena de incógnitas que quedaron sin responder tras su muerte en 2007. Los más de 10.000 artículos y casi 200 novelas escritas, que siempre tomaron como referencia sus propias experiencias personales, no hicieron otra cosa que fomentar el mito y el enigma del dandy.
El documental cuenta con la producción ejecutiva de María del Puy Alvarado (Madre) y está producida por Malvalanda S.L, Por amor al arte producciones S.L., Dadá Films & Entertainment S.L, y RTVE.
SALA SAN POL ALADINO Y LA LAMPARA
Por Eduardo Jaudenes de Salazar
ALADINO Y LA LAMPARA (el musical) es de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Basada en los cuentos de: Las mil y una noches
No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.
ALADINO Y LA LAMPARA (el musical) es de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Basada en los cuentos de: Las mil y una noches
No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.
Una nueva versión musical de uno de los mas hermosos cuentos de “Las mil y una noches” ambientada en un Oriente Mágico y sugerente, posee la fuerza, la vitalidad y el atractivo de una historia ejemplar. La música especialmente compuesta por H21 el mismo equipo de nuestra última producción “La isla del tesoro” y que también realizaron la versión de la “La flauta mágica” de Mozart con la que obtuvimos el Premio Gran Vía al mejor espectáculo familiar del año 2007.
El inquieto e idealista Aladino, la hermosa princesa Badulbudur. El intrigante mago africano, el rey juguetón, la valerosa madre y el descomunal mago burlón, el magnífico Genio del anillo junto a otros personajes de la fábula oriental y a alfombras voladoras, castillos que aparecen y desaparecen en un abrir y cerrar de ojos, y a genios de mal genio, parecen surgir, de verdad, verdad, de una lámpara encantada. En un marco de música, canciones y un explendido decorado, el equipo de nuestra Compañia La Bicicleta os ofrece una gran versión musical de una de sus mas exitosas producciones, una inolvidable versión del clásico.
Historia de la obra
ALADINO se estrenó el 2 de octubre de 2008
En 2008: 94 funciones en Sanpol
En 2009: 5 funciones en Sanpol
En 2012: 38 funciones en Sanpol
En 2017: 36 funciones en Sanpol
Reparto del re-estreno en el Teatro Sanpol
Aladino Quim Capdevila
Mago africano y Visir Miguel Cazorla
Príncesa Badrulbudur Adriana Vaquero
Genio del anillo y Rey Victor Benedé
Genio de la lámpara Carlos London
Madre Aladino Natalia Jara
Cuadro artístico
Diseño iluminación Nicolás Fischtel
Escenografía original Luis González Carreño
Renovación escenografía Gueorgui Dimov
Mascaras y sombreros Mariona Ferrer
Ficha didáctica Cristina Ferreiro
Diseño gráfico Landmark Comunicación
Fotografía Resnikoff Photo
Jefe de prensa Carlos Rivera Díaz
(Desde Mi Butaca Comunica)
Cuadro técnico
Producción Natasha Fischtel
Asistente dirección Enrique Lestón
Iluminación y sonido Gustavo Oña
Ayudante escenografía Denitza Deneva
Técnicos Javier Pérez
Manuel salva
Estudio de Sonido H 21
Construcción estructura José Rodríguez
Asesor Magias Carlos Lamas
Realización vestuario Castro Turga S.L.
Coordinador Campaña Escolar Aday Suarez
Campaña Escolar Alexandra Ispierto
Compañia La Bicicleta de Sanpol
Dirección: José Páez
Asistencia y actualización de la dirección: Ana Mª Boudeguer
Dramaturgia y producción: Julio Jaime Fischtel
Música original: H 21 (Ángel Padilla, Javier Marín y Ricardo Padilla)
Letras de las canciones: Ángel Padilla y Julio Jaime Fischtel leaH�*��kX8A ��
PINOCHO EL MUSICAL EN LA SALSA SAN POL
PINOCHO (el musical) una obra de asistencia obligada para todos los amantes del musical.
Impecablemente producida.
No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.
«Pinocho, el musical» llega al Sanpol con música de Nacho Mañó (Presuntos Implicados)
Una nueva y moderna versión de teatro musical de los entrañables personajes de Carlo Collodi.
El buenazo de Gepetto, la bella Hada Azul, la terrible y descomunal ballena, el tramposo titiritero Comefuego, el astuto zorro junto al incorregible Pinocho, el muñeco de madera, dan vida a esta espectacular versión teatral de un clásico inolvidable.
Una historia bella, de gran fantasía, con música y canciones cantadas en directo, que nos remite al juego eternamente repetido de la llegada al mundo de un nuevo ser que tiene que descubrir que existen los demás y que vivir es ir superando errores, que a veces hacen que nos crezca la nariz.
Equipo
Gepetto ……… Victor Benedé
Pinocho………. Ainhoa Molina
Hada Azul … Belén González
Comefuego….. Edgar López
Mecha……………Anabel García
Meche …………..Renée Fischtel.
Dirección……… Natalia Jara
Música original de Nacho Mañó
FUNCIONES
7 y 8 de noviembre 12 y 17,30
9 de noviembre 12
14 de noviembre 17,30
15 de noviembre 12 y 17,30
21 de noviembre 17,30 y 22 de noviembre de 2020 12 y 17,30
Además, continúa en cartel la compañía La Espiral Mágica con varios de sus espectáculos. Vuelve Orejas de Mariposa (9 de noviembre a las 17:30h y 21 de noviembre a las 12h) y ¿Por qué no? (14 de noviembre a las 12h)
POR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER EN EL TATRO TRUBUEÑE
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
POR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del Teatro.
Con una impecable dirección, creación y producción de Hugo Pérez de la Pica es una obra que no se puede dejar de ver bajo ningún concepto.
Un espectáculo fabuloso, lírico, fascinante, definitivo, ver obras como esta es una de las cosas por las que merece la pena vivir.
El interés se mantiene de principio a fin, las canciones y las escenas, perfectamente hilvanadas, hacen las delicias de los espectadores.
La vida sin teatro no es vida dijo Hugo Pérez de la Pica tras una larguísima ovación que puso en pie a todos los asistentes, y la dijo no por decir una frase bonita, sino porque ama el teatro de verdad y ha hecho del teatro su vida.
Hemos visto muchas obras de teatro, pero en este hay algo más que buscamos los oyentes-críticos en las obras indiscutibles y en el Teatro se respiraba el aroma de las grandes ocasiones.
Sin lugar a dudas una obra maestra que cuenta la trayectoria de un icono de la música española: RAQUEL MELLER.
Espectáculo conciliador en el que se diluyen todas las tendencias políticas
Una creación de Hugo Pérez de la Pica
Con Helena Amado como Raquel Meller
Me gustaría acercarme a la figura de Raquel sin deshacer el hechizo, perseguir sus modos en la encrucijada de la contención y el expresionismo, la bravura y el sentimentalismo hechos onda expansiva y desatada. Cultivadora sublime de las esencias contradictorias.
Raquel fue y es tonadillera destacadísima que marcó un buen trecho de la historia del cinematógrafo y el teatro español, francés y de las dos Américas; tanto con sus cantables de sesgo cosmopolita como en los números de raigambre española. Con sus preclaras interpretaciones conquistó espacios vetados hasta entonces para el arte popular.
El espectáculo no es una biografía exacta porque no nace con la intención detectivesca o historicista; más bien ofrece unos ambientes, un aliento femenino, un deambular poético por los hechos. A veces se da una pirueta, otras un trago amargo, las más una intuición acertada o un desengaño. Raquel Meller recibió en vida todos los laureles y conoció el rechazo como todos los grandes del tablado. No pretendemos hacer justicia mas que con nosotros y encontrar a nuestra Raquel por un instante gracias a la bendita magia del engaño teatral.
Al que no se haya acercado a su fi gura sorprenderá el alcance de esta semiolvidada cancionista-actriz, ya que su vida está marcada por el éxito masivo, sin precedentes; es incomprensible que su mito no habite en el imaginero colectivo de las nuevas generaciones.
Fue una pionera no sólo en la emancipación de las libertades de la mujer (de lo que seguramente no era consciente) sino lo que es más importante, en la expresión artístico espiritual de la individualidad.
Hugo Pérez de la Pica
GÉNERO
Musical.
Protagonizada por
Helena Amado, vocalista de O Sister y protagonista en los últimos tres musicales de Hugo Pérez de la Pica, Alarde de tonadilla, Canela y Tus muertos que son los míos
Con
Candelaria de la Serena, Rocío Osuna, Badia Albayati, Matilde Juárez, Iván Oriola y Zalo Calero
Colaboración Especial
Irina Kouberskaya
Dirección Musical
Tatiana Studyonova
Todos los Domingos hasta Mayo 2021 19h
Funciones Especiales Viernes 27 de Noviembre y 4 de Diciembre a las 20h Sábado 5 de Diciembre a las 18h
TEATRO TRIBUEÑE
Calle Sancho Dávila 31,
28028 Madrid
Teléfono: +34 91 242 77 27
Horario de atención telefónica: de 10.30 a 14.30 h. de lunes a viernes.
E-mail: teatro@teatrotribuene.com
TAQUILLA
Teléfono: 91 242 77 27
Horario: de jueves a domingos de 19.00 a 21.00 h. o una hora antes de cada función.
PARA HACER BIEN EL AMOR HAY QUE VENIR AL SUR EN EL TEATRO LA LATINA
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
PARA HACER BIEN EL AMOR HAY QUE VENIR AL SUR es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del musical.
Una obra que, por su desenfado y alegría, necesarios en estos momentos que vivimos, no te puedes perder bajo ningún concepto.
Mereció la pena montar y ver está obra de la que sales mucho mejor, mas alegre y feliz, que cuando has entrado.
Se consiguió plenamente el nivel deseado.
Una impecable producción de El negrito Producciones, distribuida por Pentación Espectáculos.
ELLA y EL quieren hacer un espectáculo musical inspirándose en las canciones que hizo famosas la cantante «Raffaella Carrá», para ello idean 3 historias sobre 3 mujeres que intentan encontrar el amor yéndose de viaje hacia el sur, tal como aconseja la canción.
Amores y desamores, situaciones divertidas, personajes curiosos, romances, baile, mucho ritmo… con estas premisas, Ella y El nos acaban mostrando un relato en donde todo se mezcla para acabar creando un autentico cóctel explosivo en el que el mismo espectador acabará integrándose como parte esencial del show.
Reparto
Patricia Arizmendi
Marta Arteta
Raquel Martín
Tamia Deniz
Miriam Queba
Mikel Hennet
Javier Enguix
Javier Toca
Ficha artística
Texto y dirección: Ricard Reguant
Dirección musical: Ferrán González
Coreografía: Cuca Pon
Diseño de iluminación: Luis Perdiguero
Diseño de sonido: Ricardo Gómez y Jorge Gómez
Técnico de iluminación: Javier Arnedo
Técnico de sonido: Laura Cabezas
Escenografía: Pablo Almeida y Gonzalo Buznego
Vestuario: Juan Ortega
Director de producción: Juan Carlos Parejo
Jefe de producción: Raúl Pardo
Ayudante regiduría: Jorge Amor
Una producción de El negrito Producciones.
LA GOLONDRINA EN EL TEATRO INFANTA ISABEL
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
LA GOLONDRINA es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del Teatro.
Los actores se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto, a lo que contribuye en no poca medida la impecable dirección de Josep María Mestres
El reparto redondo, Carmen Maura hace el mejor papel que la he visto, profunda, directa, sin divismo, construye una Amelia redonda, sin fisuras, espléndida.
Ramón también, creíble, bien contenido, en su justa medida, magnífico.
El libreto de Guillem Clua es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin
Todos los elementos de la obra permiten dejarnos llevar por la imaginación del autor, haciendo funcionar las neuronas espejo y creándose una comunicación entre la obra y los espectadores. Ese punto mágico de absorción del espectador que sólo las grandes interpretaciones consiguen, donde los espectadores se convierten en energía.
Mereció la pena montar y ver está obra
La obra reúne a dos personajes, Amelia y Ramón. La primera, una severa profesora de canto, recibe en su casa a Ramón, quien desea mejorar su técnica vocal para cantar en el memorial de su madre fallecida recientemente. La canción elegida tiene un significado especial para él y, al parecer, también para la mujer quien, a pesar de sus reticencias iniciales, accede a ayudar al joven alumno.
FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA
Texto: Guillem Clua
Dirección: Josep Maria Mestres
Diseño de Iluminación: Juan Gómez Cornejo
Escenografía: Alessio Meloni
Vestuario: Tatiana Hernández
Director técnico: Alfonso Ramos
Música: Iñaki Salvador
Diseño gráfico y Fotografía: Javier Naval
Vídeo: Rubén Hernández
Ayudante de Dirección: David Blanco
Ayudante de Producción: Elisa Fernández Sara Brogueras
Producción Ejecutiva: Jair Souza
Dirección de Producción: Miguel Cuerdo
QUERIDO CAPRICHO EN EL TEATRO MARIA GUERRERO
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
QUERIDO CAPRICHO de Tomás Cabané en colaboración con Tomás Pozzi, es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Una impecable producción de Centro Dramático Nacional, Check-In Producciones y Pedro Hermosilla Producciones.
Tomás Pozzi se convierte en mujer, hombre, adolescente, viaja… capaz de, en breves instantes, pasar de uno a otro personaje como el que se bebe un vaso de agua.
El actor se sabe mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto.
Tomás Pozzi es un actor preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.
Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente en los personajes.
Dueño del color en las escenas de frases más sutiles y delicadas, así como en las más bellas y poderosas.
Enamorarse de un hombre veinte años menor y encerrarse en una habitación a esperar su llamada puede parecer una salvajada. Esto puede convertirse en una vieja estampa de amor o en la mayor de las tragedias. Es una historia de ocho encuentros, con mezcla de recuerdos y ficción que se proyectan en una frágil correspondencia.
No queremos ni un disfraz, ni una máscara, sino su esencia como mujer. Su cuerpo reflejará el paso del tiempo y una lista de lametones y maldiciones… Ella se ha cansado de esperar y ya no cree en el amor como lo hacía antes, ahora lo ve como un simple capricho.
Tomás Pozzi
Licenciado en arte dramático por la Escuela Nacional de Arte Dramático de Buenos Aires.
En teatro ha intervenido en diversos montajes, entre ellos, Dos noches con Don Juan (Mario Gas); Black el payaso (Ignacio García); Itaca (Francisco Suárez); Últimas palabras de Copito de Nieve y La noche y la palabra (Andrés Lima); Beautiful people; Desinsectación; Corazones perversas; Hamlet; He visto a Dios o El Principito.
En cine ha intervenido en películas como Manolete y La máquina de bailar y le hemos visto en las series de televisión Aída, Los Serrano, Mis adorables vecinos, Tirando a dar y Matrimonio con hijos.
Entre los premios obtenidos hay que destacar el de mejor actor por Beautiful people, en la Muestra de Teatro de Barcelona, y el de mejor actor de la Universidad Austral.
Tomás Cabané
Nacido en Granada. La primera obra que escribió fue Viaje a Francia (2006), seleccionada en el Certamen de Familia organizado en la Sala Cuarta Pared. Después, se forma como actor en la Escuela Municipal de Arte Dramático, con profesionales como Carmen Rico y Santi Senso. Más tarde, se gradúa en Dirección de Escena y Dramaturgia por la Real Escuela Superior de Arte Dramático.
En la actualidad es director y productor de su propia compañía, Malala Producciones, con la hace un trabajo de búsqueda e investigación hacia un lenguaje propio, mezcla de danza y teatro. También es profesor de interpretación para adolescentes en la escuela Primera Toma Coach. Su obra En La Capital ha sido estrenada en 2018 en Lima, Perú.
Equipo artístico
Texto Tomás Cabané en colaboración con Tomás Pozzi
Dirección Tomás Cabané
Reparto Tomás Pozzi
Escenografía Silvia de Marta
Iluminación Jesús Díaz
Vestuario Malala Producciones
Espacio sonoro Mariano García
Movimiento Mey Ling-Bisogno
Fotografía Álvaro Serrano Sierra
Coproducción Centro Dramático Nacional, Check-In Producciones y Pedro Hermosilla Producciones
Del 20 de noviembre al 13 de diciembre de 2020; de martes a jueves a las 18h.
LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO EN EL TATRO MARAVILLA
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO o La importancia de ser honesto, es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Una de esas obras que no te puedes perder bajo ningún concepto.
Enrique Jardiel Poncela y Oscar Wilde son, sin duda, dos de los autores teatrales que prefiero, dos personalidades muy distintas, pero dos cosas en común, subversivos al máximo, cualidad que les hace eternos, estar siempre de moda, no haber perdido frescura y que son dos genios incuestionables.
La obra que es un torbellino vertiginoso de reacciones, situaciones hilarantes, frases ingeniosas que se suceden trepidantemente entre las de Wilde alguna de Jardiel he podido apreciar. El espectador no para de reír ni un instante.
El texto y el montaje de Ramón Paso fusiona elementos de la época victoriana con actuales como la música elegida, los móviles y las converse.
Wilde a la hora de ser traducido se enfrenta a la dificultad del juego de palabras, al que era muy aficionado. En The Importance of Being Earnest lleva esta práctica al extremo, ya que en el mismo título se resume mediante un juego de palabras la propia trama de la obra: la importancia de ser formal, serio, en inglés earnest, palabra homófona de Ernest, antropónimo que, como se puede comprobar en la obra, cobra especial importancia en ambos sentidos, el de la seriedad y el de la identidad.
En esta traducción se juega con Ernesto y Hornesto, el Ernesto que es Honesto, lo cual demuestra la calidad de la traducción
Se mantienen, como no, las ácidas frases de Wilde como:
-Los parientes son simplemente gente aburrida, que no tienen ni el más remoto conocimiento de cómo hay que vivir ni el más leve instinto de cuándo deben morirse.
Y el cinismo al que Oscar Wilde también era muy aficionado, definido por Lord Darlington en la comedia El abanico de Lady Windermere de la siguiente manera:
Un cínico es un hombre que conoce el precio de todo y el valor de nada
En La importancia de llamarse Ernesto está presente con diálogos como este:
CECILIA. ¿Quiere usted insinuar, miss Fairfax, que yo he cogido en una trampa a Ernesto para que se declarase? ¿Cómo se atreve usted a eso? No es éste el momento de andarse con fingidos miramientos. Cuando veo un azadón, lo llamo azadón.
GUNDELINDA. (Con ironía.) Me encanta poder decir que yo no he visto nunca un azadón. Claro es que nuestras esferas sociales son muy diferentes.
Paloma Paso en su papel de Lady Brancknell, está perfecta.
Cecily, interpretada por la divertidísima Ana Azorín, le va el personaje como hecho a medida.
Señoría Lane representada a la perfección por Ángela Peirat, la criada brillante con luz propia.
Gwendolen Fairfax es encarnada con eficacia por Inés Kerzan.
Jack Worthing magníficamente interpretado por David Degea al igual que Algernon Moncrieff por Jordi Millán.
Guillermo López-Acosta hace creíble el de sacerdote que no se entera de nada.
La escenografía está resuelta hábil y acertadamente.
Ramón Paso tiene en PASOAZORÍN TEATRO su compañía perfecta, ya que apuesta por una línea creativa transgresora, gamberra y actual, que busca radiografiar la esencia de nuestro tiempo, “hacer una vivisección de los problemas del ser humano contemporáneo, en una apuesta por desentrañar las razones de la incomunicación, la soledad y los males endémicos de este experimento que llamamos sociedad” comentan Ana Azorín e Inés Kerzán, fundadoras de la compañía junto a Ramón Paso.
Gwendolen está enamorada de Ernesto. Y Cecily también está enamorada de Ernesto. El problema es que Ernesto no existe. Jack está enamorado de Gwendolen, y Algernon está enamorado de Cecily. Pero ellas dos sólo podrían amarles… si fuesen Ernesto. Y los dos están dispuestos a ser Ernesto, por amor, aunque en realidad ninguno de los dos es Ernesto. Lo cierto es que ninguna señorita educada podría amar a un hombre que no fuese un honesto Ernesto.
Reparto: Paloma Paso Jardiel, Ana Azorín, Inés Kerzan, Jordi Millán, David Degea, Ángela Peirat y Guillermo López-Acosta.
No te pierdas esta joya que es La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde en el Teatro Maravillas. (Calle de Manuela Malasaña, 6, 28004 Madrid teléfono 914468400)
Traducción
Sandra Pedraz Decker
Versión y dirección
Ramón Paso
Jefa de producción
Inés Kerzan
Diseño de vestuario
Inés Kerzan y Ángela Peirat
Iluminación
Pilar Velasco
Ayte. dirección
Blanca Azorín y Laura Auzmendi
SEGUNDA TEMPORADA
11/11/2020 – 29/11/2020
Miércoles y Jueves – 20:00 h.
Viernes, Sábados y Domingos – 19:00 h.
95 min. aprox.
Todos los públicos.
MIGUEL DE MOLINA AL DESNUDO EN EL TEATRO INFANTA ISABEL
MIGUEL DE MOLINA AL DESNUDO es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del Teatro.
Ángel Ruiz acaba de ganar el premio Max a la mejor interpretación por esta obra, premio totalmente merecido ya que la borda absolutamente.
Ángel Ruiz es un artista preparado, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.
Posee un estilo interpretativo vivo, que nos llena con una sola mirada y de expresión intensa.
César Belda, pianista y director musical de la obra es dueña del color en los fragmentos más sutiles y delicados, así como en los bellos y poderosos.
Abordando detalles que avalan su clase. Libertades en el uso de la forma y el color que se integran perfectamente.
La impecable interpretación de Ángel Ruiz y la del pianista César Belda, nos llenen plenamente.
Miguel de Molina es la mejor encarnación que ha dado España de la sugerente mezcla entre vanguardia y tradición. Ponía pasión y amor sobre el escenario, pero resultó molesto para muchos por ser un fenómeno de masas, de izquierdas y abiertamente homosexual. Artista de raza, se vio obligado a emigrar a Argentina.
En esta obra el personaje vuelve para contar su verdad, desde su infancia hasta los fugaces encuentros con Lorca y la tortura que sufrió ya terminada la Guerra. No es sólo un homenaje a su figura o una biografía musical, es la necesidad de contar a través de su vida algo que atañe a nuestro presente y de situar a la copla en el lugar que le corresponde, como un arte popular que surgió en tiempos de libertad y sedujo a grandes como Rafael de León, Manuel de Falla o el mismísimo Lorca.
REPARTO
Intérprete: Ángel Ruiz
Pianista: César Belda
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Félix Estaire
Dirección Musical: César Belda
Ayudante de dirección: Elisa Levi
Iluminación: Juanjo Llorens
Escenografía: Lúa Testa
Vestuario: Guadalupe Valero
Coreografía: Mona Martínez
Producción Ejecutiva: Elisa Fernández/Jair Souza-Ferreira
Dirección Técnica: Alfonso Ramos
Dirección de Producción: Miguel Cuerdo
Diseño de Cartel y Fotografía: Javier Naval
CUENTO DE NAVIDAD EN EL TEATRO SANPOL
CUENTO DE NAVIDAD es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del Teatro.
Es un espectáculo fabuloso, fascinante, ver obras como esta es una de las cosas por las que merece la pena vivir estas navidades.
Una obra que no te puedes perder bajo ningún concepto.
El Teatro Sanpol presenta desde el 28 de noviembre hasta el 20 de diciembre CUENTO DE NAVIDAD.
Ana María Boudeguer se pone al frente de esta revisión del cuento de Charles Dickens que hace las delicias de toda la familia.
Un día al llegar la Nochebuena el señor Scrooge se enfrenta a sus pequeñas y grandes miserias terrenales y tiene que revivir todas las acciones malas que realizó.
Afortunadamente, la noche de Navidad puede hacer el “milagro” de que recapacitemos y cambiemos nuestra manera de vivir y de relacionarnos con los demás.
Cuento de Navidad, gran apuesta de la temporada de La Bicicleta en las fechas más familiares.
Funciones:
28 Y 29 DE NOV. 12:00H Y 17:30
5 DIC. 17:30H
6,7, 12, 13, 19 y 20 de diciembre 12:00H Y 17:30H
REPARTO
Scrooge – Javier Ibarz
Bob Crachit, Espiritu 1 y Viejo Joe –
Víctor Benedé
Fred, Jacob Marley, Sr. Fezziwig y Espiritu 2 – Felipe Ansola
Dama, Anna, Sra Fezziwig – Natalia Jara
Bella, Isabel, Sra Dilver – Belén Gonzalez
Niño del pavo, Tim – Miriam Arias
Fanny, niña, Escarlata, Marta – Gema Bastante
Chico. Tooper, Espiritu 3 y Niño Scrooge – Jaime Páramo
Dirección Ana María Boudeguer
Ayudante de dirección Julio Armesto y Marco Alejandre
BURUNDANGA EN EL TEATRO MARAVILLAS
Burundanga constituye el modelo de teatro que necesitamos, trepidante, mantiene el interés inninterrumpido de principio a fin, no paras de reírte.
Si quieres pasar un rato de felicidad, te recomendamos vivamente que vayas a ver Burundanga.
Todos los actores están magníficos en sus respectivos personajes: desde Eloy Arenas a Ariana Bruguera, Rebeca Brik, pasando por César Camino, Bart Santana y Fran Nortes.
Burundanga’, escrita con ingenio y profesionalidad por Jordi Galcerán y dirigida con precisión y firmeza por Gabriel Olivares, llega a la novena temporada
Una sorprendente comedia protagonizada por una joven estudiante, que se queda embarazada y decide someter a su novio al llamado «suero de la verdad».
Berta recibe la noticia de que está embarazada de su novio Manel, y comienzan a surgir miles de dudas en su cabeza sobre su relación y cómo contarle su nuevo estado. Necesita saberlo absolutamente todo sobre él. Su compañera de piso y estudiante de Farmacia, Silvia, le aconseja utilizar la burundanga, una planta con peligrosos efectos narcóticos, que sumerge a la víctima en un estado de pasividad, complacencia y somnolencia.
Una verdad inesperada
Berta piensa que si Manel toma un poco de burundanga podrá saber la verdad sobre él y su lado más oscuro. Pero no sólo descubrirá lo que pretendía averiguar, sino otra verdad mucho más inesperada que hace estallar un enredo de consecuencias imprevisibles y que desata una serie de acontecimientos que harán que el espectador disfrute y se ría hasta llegar al desenlace.
Un gran elenco encabezado por Eloy Arenas, protagoniza esta divertida comedia de enredos que ha terminado por convertirse en un clásico de la cartelera para todos aquellos que quieran divertirse en una sala de teatro.
Gabriel Olivares, quien también firma títulos como ‘El Secuestro’ o ‘El nombre’ asegura que el éxito de ‘Burundanga’ es la gran conexión con el público gracias a los diálogos ágiles y la calidad del reparto.
No dejen de ir al Teatro Maravillas a ver Burundanga, me lo agradecerán.
Autor:
Jordi Galcerán
Director:
Gabriel Olivares
Compañía:
El Reló produciones, Verteatro, Smedia
organizer
Productora:
El Reló produciones, Verteatro, Smedia.
Intérpretes:
Ariana Bruguera, Rebeca Brik, César Camino, Bart Santana, Eloy Arenas y Fran Nortes.
Música:
Tuti Fernández
¿QUIÉN MATÓ A SHERLOCK HOLMES? EN EL TEATRO EDP GRAN VIA
¿QUIÉN MATÓ A SHERLOCK HOLMES? es una función teatral de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
La obra es inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin
Con una estupenda dirección de escena que facilitó la presencia ininterrumpida del interés
Con una gran vivacidad de espíritu el director supo abordar la obra adecuadamente
Con un libreto muy bien pergeñado
Unas magníficas y bellas canciones que emocionan al oyente
Las canciones ofrecen, además, ocasión para el amplio lucimiento de todos los cantantes
Una interpretación impecable
Todas las voces están magníficas en sus respectivas tesituras
Fondo escenográfico acertado
Mereció la pena, sin lugar a dudas, montar y ver ¿QUIÉN MATÓ A SHERLOCK HOLMES? y les recomendamos vivamente que la vean.
¿Quién mató a Sherlock Holmes? El musical en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid. Un elenco de lujo, formado por: Daniel Diges, Enrique Ferrer, Talía del Val, Julia Möller, Joseán Moreno y Enrique R. Del Portal. Un punto de encuentro de los personajes que nos permitirá emocionarnos, enamorarnos y vivir una historia nunca contada sobre el alma humana. Una obra única. A veces, lo más peligroso es descubrir la verdad.
El Londres victoriano. Un misterioso personaje envía invitaciones a varios desconocidos. Cada nota dice: “Le han descubierto. Venga esta noche a mi mansión de Tennison Road si quiere salvarse”. A la hora fijada, llega a la mansión el Dr. Watson. Allí se reúne con Irene Norton, el profesor Moriarty y la misteriosa Mrs. Roberts. Ninguno de ellos se conoce entre sí ni conoce al anfitrión, un personaje excéntrico y peculiar que les transmite una noticia inesperada: Sherlock Holmes va a ser asesinado. ¿Se trata de un juego? ¿Una conspiración? El anfitrión les ofrece una cantidad de dinero si permanecen en la mansión hasta la medianoche. Pero el asesinato está al caer y la víctima no es Sherlock… El detective acudirá para enfrentarse al misterio y a la turbadora presencia de Irene, la única persona que consiguió engañarle. Todo se complica. Hay secretos que es mejor no desvelar. Sherlock Holmes está a punto de descubrir la verdad… y su inevitable destino
Iván Macías, creador e idea original: Siempre habíamos tenido la idea de un musical de mucha calidad sobre Sherlock Holmes y el confinamiento nos obligó a reinventarnos.
Iván Macías, productor ejecutivo y compositor
Dario Regattieri, productor ejecutivo y CEO beon. Worldwide
La productora del musical ‘¿Quién mató a Sherlock Holmes?’ es BE URIUM, productora que nace tras la unión de New Urium (productora de Iván Macías) y beon. Worldwide (la productora de Dario Regattieri).
También se encargó de “El Médico”, el musical, la adaptación de la obra de Noah Gordon que ganó el premio de la crítica en 2019 y la obra musical “Antoine”.
Equipo creativo
Iván Macías Música Creador del libreto junto a Felix Amador, director y productor artístico. Comenzó sus estudios musicales a la edad de cuatro años con su madre, obteniendo a los 13 años el título de profesor de piano con matrícula de honor por unanimidad, y Premio Honorífico fin de carrera, obteniendo posteriormente el título de profesor superior de piano también con matrícula de honor por unanimidad. Posteriormente, estudia el Máster en ‘Composición e instrumentación de música para cine y televisión’ por la Berklee Collegue of Music (Boston).Ha recibido clases magistrales de grandes pianistas, como Ranzi Yassa, Ferenc Rados, Christopher Elton, Sequeira Costa, Rita Wagner, Giorgy Sandor, Ilan Rogoff, Eugen Indjic, Ramón Coll, Almudena Cano o Claudio Martínez Mehner.En su faceta compositiva destaca como compositor de “El Médico” el Musical, el musical número uno de la crítica en la temporada 2018-2019 en Madrid, obteniendo 5 premios en los “Premios del Teatro Musical” y 11 premios del público “Broadwayworld”, convirtiéndose en el musical más premiado de la temporada.
Felix Amador Letras Creador del libreto junto a Iván Macías, ha cultivado en su extensa carrera como escritor campos tan diversos como teatro, novela, ensayo, narrativa breve, blogs, poesía y traducción. Ha publicado cuatro novelas, dos libros de relato y un ensayo sobre Juan Ramón Jiménez. Ha sido traducido al inglés, al portugués y al italiano. Siente joven la llamada del teatro, pero no llega al musical hasta que colabora con el compositor Iván Macías, escribiendo libreto y letras para el musical “Germinal”, inspirado por la obra de Zola y estrenado en 2015, al que sigue “El Médico” y, ahora. “¿Quién mató a Sherlock Holmes?”.
José Luis Sixto Dirección Miembro de la Academia de las Artes Escénicas, ha desarrollado su trayectoria profesional entre la creación y dirección artística, la dirección de casting, la docencia y la producción teatral.Dos veces ganador del Premio Broadway World a la mejor dirección por “El Médico” el musical, y por “Excítame” -El crimen de Leopold y Loeb-, entre sus trabajos como director sobresalen la obra de Ricky Gervais “Animales”, protagonizada por Juanra Bonet, o “El montaplatos”, de Harold Pinter codirigido junto a Tamzin Townsend.Director residente de musicales como “El último jinete”, “40 El musical” y “Victor/Victoria”, o espectáculos de gran éxito como “The Hole”, “The Hole 2”, también ha sido asistente de dirección en importantes obras de teatro como “Babel”, “Defendiendo al cavernícola”, “La venganza de Don Mendo”, o “más recientemente “La mujer de negro”.
Federico Barrios Coreografía y Movimiento EscénicoReconocido coreógrafo y director formado en Buenos Aires, Madrid y New York, destaca como director en títulos como: “West Side Story”, “Cabaret” (Gira y BCN), “NINE” (Teatro Alfil, 2015) o “Hoy no me puedo levantar” (México, 2014).Como coreógrafo ha estrenado 8 musicales en la Gran Vía madrileña, entre los que destacan: “West Side Story” (Premios Teatro Musical y Premio Broadway World mejor coreografía), “Cabaret”, “Hoy no me puedo levantar” (2013), “Iba en serio”, “Más de 100 mentiras” (Premio Teatro Musical, Premio ACE y Premio Hugo Midon a la mejor coreografía), y “Sunset Boulevard”.
Marina Calvo Escenografía y Vestuario Licenciada en escenografía por la RESAD y con formación en diferentes técnicas de expresión artística, Marina combina la ilustración editorial y el diseño de portadas con el teatro.Ha diseñado utilería y vestuario de obras como “Johannus-yön uni” (“Sueño de una noche de verano”) o “Suomi-sirkus” en Tampere, o diseño y confección de vestuario en “Albatrosi ja Heiskanen” en Kotka y ha expuesto diseños de vestuario en el Museo Etnográfico Ruso de San Petersburgo.Descubrió el teatro musical trabajando con la utilería y la regiduría en producciones como “Sister Act”, “Mamma mía” o “La Familia Addams”.Actualmente lleva la supervisión y dirección de arte de “El Médico” el musical y Los Pilares de la Tierra.
Manolo Ramírez Iluminación Comienza a hacer giras como técnico de iluminación con compañías como Animalario y producciones Cristina Rota entre otras. Despierta su interés por el diseño y decide formarse trabajando con algunos de los iluminadores y directores más importantes de las artes escénicas españolas. Entre otros, ha trabajado alternando labores como técnico de iluminación, director técnico e iluminador para compañías de teatro, circo, musicales, óperas, danza de pequeño y gran formato, y de iluminador en producciones como “El burlador de Sevilla” en el Teatro Español; “Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín” en el Festival de Otoño; o musicales como “El fantasma de la Ópera” y “Germinal” entre otros.
Miguel Ángel García SonidoTras una corta etapa como técnico de sonido en eventos y convenciones comerciales, comienza su andadura como técnico de sonido para presentaciones en directo de artistas. Ha trabajado para infinidad de artistas españoles como Loquillo y Los Trogloditas, Pasión Vega, Pastora Soler, Vanesa Martín, Siempre Así, José Manuel Soto y muchos más, aunque su carrera profesional se ha desarrollado principalmente con el artista internacionalmente reconocido Raphael con el que lleva trabajando 18 años como técnico de PA. Hace ya 10 años que colabora en los proyectos musicales de Ivan Macías habiendo desarrollado multitud de ellos como ‘Germinal’ o la gira sinfónica de “El Médico” el Musical”. Desde el año 2016 colabora con Yamaha CA impartiendo seminarios de formación Dante y de consolas de esa marca.
Aarón Rodríguez CaracterizaciónCaracterizador de teatro, posticero, diseñador de caracterización, creativo y amante del teatro musical. Su inquietud por el teatro musical se la debe a su hermano Ramsés Vollbrecht, quién le descubrió qué es el teatro musical y toda la magia que escondía. Su trayectoria comenzó en 2013 al realizar las pelucas de ‘Wicked Mexico’ con Feliciano San Román, quien se convirtió en su maestro y mentor, y le descubrió todos los secretos de la peluquería de teatro. Gracias a pertenecer al grupo de teatro Amorevo, pudo desarrollar su faceta más creativa diseñando sus producciones desde 2013 hasta 2017.Ha pasado por diferentes producciones del teatro musical español como “Los Miserables” en 2013; “Evita” en 2016; “La Familia Addams” en 2017; o “33 El musical” en 2019 entre otros. También tiene la oportunidad de formar parte del equipo de peluquería de “La Zarzuela” en 2019 realizando diferentes producciones.Cabe destacar que diseñó la peluquería de “La Familia Addams” en 2017, formando parte del equipo técnico durante su temporada en Madrid y su posterior gira por la que, además, ostenta el Premio de Teatro Musical al mejor diseño de peluquería por este mismo musical en 2018.
Gonzalo Lisiardi Regiduría Nace en Buenos Aires donde comienza sus estudios de Arte Dramático, aunque en 2001 se traslada a España y se centra en la regiduría de escena a cargo de, entre otros espectáculos, “Sister act”, “Ghost”, “El sonido oculto”, “El jovencito Frankenstein”, “La familia Addams”, “The hole”, “The hole2”, “Hotel Habana show”, “Tacones Manoli”, “Crimen perfecto”, y muchos más.
Pablo Santos Dirección Técnica Pablo Santos comenzó su carrera en el mundo de la televisión, donde estuvo ligado al mundo del espectáculo y el teatro. Posteriormente se encargó de la dirección técnica de espacios, y al tiempo comenzó su carrera profesional en la agencia beon. Worldwide. En beon. lleva más de 15 años en los que ha trabajado en el área de eventos y de producción, haciendo sus primeras incursiones en la dirección técnica de musicales con ‘Cruce de vías’, una obra producción propia de beon.En la actualidad lleva la dirección técnica de dos musicales: ‘¿Quién mató a Sherlock Holmes?’ y ‘Antoine’ la vida del autor de ‘El Principito’. Un nuevo reto dentro de su trayectoria profesional que afronta de la mano de beon. y que le permite sumergirse de nuevo en el mundo de los espectáculo y los musicales.
Elenco
Daniel Diges Sherlock Holmes Comienza muy pronto su carrera profesional. Se formó en diferentes escuelas y grupos de teatro hasta que en 1999 llegó su gran oportunidad de la mano de Antena 3, donde protagonizó la serie “Nada es para siempre”, sherlock ha llegado a mis manos y es una maravillosa sorpresa y un precioso regalo como actor.interpretando a Gato, el personaje protagonista. Pronto salta también al teatro musical de la mano de la importante producción española “Hoy no me puedo levantar”. Daniel protagoniza algunos de los mayores éxitos del género musical de nuestro país como “We Will rock you”, “Hight school musical”, “Mamma mia!”, o “La bella y la bestia”.En 2008 recibió el Premio Gran Vía como actor revelación, y en 2009 y 2010 el Premio nacional del Teatro Musical como actor protagonista.Ha participado en multitud de proyectos musicales y televisivos. Desde sus primeros pasos como presentador en “Megatrix” o “Max clan”, o sus apariciones en series como “Ana y los 7”, “Hospital central” o “Aquí no hay quien viva”, hasta sus más recientes “Tu cara me suena” (incluyendo su versión Mini). Represento a España en Eurovisión 2010 con el tema “Algo pequeñito”.Tiene cuatro discos en el mercado. Con su último disco “Calle Broadway” ha hecho un tour por los teatros más importantes de España de dos años de duración (2014-2015).En “Les miserables” 2010-2012 interpretó a Enjolras en Madrid y Barcelona, y en 2014-2015 interpretó a Jean Valjean en el tour español. En el 2017 le llaman para interpretar a Valjean en Brasil, y tras el éxito en Brasil en el 2018-2019 le contratan para la producción mexicana de “Les Miserables”, también interpretando a Jean Valjean.En México interpreta en la serie para Amazon “Hernán” el personaje de Juan Escudero. En su último trabajo ha interpretado a Rob. J Cole, personaje protagonista de “El Médico” el musical.
Talía del Val Irene Adler Inicia su carrera profesional a los 7 años formándose durante todo este tiempo en interpretación, canto, baile y dirección.En teatro musical la has podido ver protagonizando obras como “West side story”, “La bella y la bestia”, “Los miserables”, “El Médico” el musical, Mamma mia!”, “High school musical”, “El dúo de la africana” (Teatro de la Zarzuela), “Lady be goog” (Producción angloparlante en el Teatro de la Zarzuela).Soprano solista en numerosos conciertos: “Auditorio Nacional de Música”, “El fantasma de la ópera”, “Gershwin en concierto”, …. Ha compuesto y co-creado la obra musical “Fugitivos”.
Enrique Ferrer Profesor Moriarty Nacido en Madrid, comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música de la misma ciudad. En breve es becado en EEUU donde se especializa en repertorio lírico en “The Academy of Vocal Arts” en filadelfia bajo la tutela de Bill Schuman y Christopher Macatsoris.Ha sido premiado en distintos concursos de canto internacionales como de “Canto Jaume” en Barcelona, “Ernesto Lecuona” en La Habana y en el prestigioso Concurso “Luciano sherlock holmes se encuentra a sí mismo.Pavarotti” en Filadelfia (USA).Desde muy temprana edad es un cantante asiduo en los principales teatros y auditorios españoles donde desarrolla un repertorio notable tanto de zarzuela como de ópera. Forma parte destacada del elenco del estreno en España de “El Fantasma de la Ópera” de A.Ll.Webber en el Teatro Lope de Vega de Madrid.En el ámbito internacional le avalan multitud de teatros. Ha cantado en festivales de ópera tan prestigiosos como la Arena de Verona, el Festival Giacomo Puccini de Torre del Lago, el Festival Internacional de Ópera de Aspendos o el Festival Internacional de Música y Danza de Granada.Ha colaborado con el sello discográfico Deutsche Grammophon en el disco de “Zarzuela viva Madrid” y realizó para el sello discográfico Bongiovanni la grabación en DVD de la ópera “La leggenda di Sakuntala” de F.Alfano realizada en el Teatro Massimo Bellini de Catania.
Josean Moreno El Anfitriónpor fin un héroe como sherlock holmes llega al teatro musical. no puede existir nada más divertido.Formado en interpretación con Antonio Malonda ha estudiado teatro musical, canto clásico, canto moderno-jazz, soul y gospel con maestros como Noel & Michelle Jones, Dovrat Levi, Paloma Berganza, Daniel Anglés, José Masegosa o Ramón Herrera.Comenzó estudiando canto clásico, y desarrollando su carrera como actor en la televisión y la radio. Pero en 2012 entró de lleno en un gran musical, “Grease” (Coco Comín), y desde entonces se ha instalado en este maravilloso mundo del teatro musical.Nominado a varios premios por su papel de Vince Fontaine, le siguieron otros musicales como “La sirenita”, “Saturday night fever”, “Moustache” y obras de teatro como “El tiempo y los conway”, “El rey en pompa” o comedias como “Chueca bajo el terror de los zombis”, ha interpretado el papel de Zeus y Agamenón en la gran producción “La bella Helena” del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida en 2017.Además, es actor de doblaje y presentador, es una voz habitual en el mundo de la publicidad y la televisión.Ha interpretado recientemente a Barber en el multipremiado “El Médico” el musical, (Golden Notes) de Iván Macías y Felix Amador, gracias al cual ha ganado numerosos premios como el BWW Spain al mejor actor de reparto 2018/2019 y el PTM a la interpretación más destacada de la temporada.
Enrique del portal Doctor Watson Con 35 años de dedicación al teatro musical: zarzuela, opereta, ópera y comedia musical, y después de pasar por el Conservatorio de Madrid, la Universidad Complutense, la Escuela Superior de Canto ha actuado con la práctica totalidad de compañías líricas de España.Muchos títulos en repertorio, merecen especial recuerdo: “La del manojo de rosas”, soy el ayudante del mejor detective del mundo.“Antología de la zarzuela”, “El dúo de la africana”, “Doña francisquita”, “Los Miserables” (que ha interpretado en dos ocasiones, 1992 y 2010), “La bella y la bestia”, “El fantasma de la ópera”, “Jugar con fuego”, “El caserío”, “La taberna del puerto”, “Madama buttterfly”, “La bruja”, “Estamos en el aire”, “Zarzuguiñol”, “La calesera”, “The town of greed”, “Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny”, “La ópera de tres peniques”, “Cabaret”, “West side story”, y un largo etc., que llega hasta más de 90 títulos.También muchos directores, escénicos y musicales, Sagi, Caswell, Tambascio, Tamayo, Narros, Nieva, Lima, Gas, Matilla, Azpilicueta, Barrios, Roa, Alonso, Ros-Marbá, García-Asensio, Brooker, …Un puñado de discos: “Los miserables”, “Doña francisquita”, “Luisa Fernanda”, “El hijo fingido, Oliver”, “¡Viva Madrid!”, “El huésped del sevillano”. Grabaciones y bandas sonoras: “Pesadilla antes de la Navidad”, “La dama y el vagabundo 2”. Muchos conciertos y apariciones en cine y televisión: “Cambio de sentido”, “La que se avecina”, “Cuéntame”, “Centro médico”, “Servir y proteger”, “Amar es para siempre” “El pueblo” o la web serie “Haciendo cerveza”.Varias nominaciones y el Premio Broadway World en 2011 como mejor actor secundario por “Los miserables”.Desde 2010 alterna el escenario con la enseñanza, contando con alumnos en espectáculos de primer nivel como “La bella y la bestia”, “Hoy no me puedo levantar”, “Sister act”, “Don Juan el musical”, “Billy Elliot”, “Anastasia”, “El Médico” el musical, …
Julia Moller Señora Roberts Nacida en Alemania y diplomada en Teatro Musical por la Stage School of Music, Dance & Drama, en Hamburgo.Julia ha protagonizado numerosos musicales tanto en Madrid como Barcelona, Londres y Berlín. Su último personaje fue Alice en el una comedia musical llena de intriga y emoción con un final inesperado.musical “La familia Addams” y también la hemos podido ver en “La bella y la bestia”, “El fantasma de la ópera”, “Mar y cielo”, “Hair”, “Les miserables”, “Follies”, “El lamento de las divas”, “El último jinete”, “El jorobado de Notre Dame” o “Dirty dancing”.Actualmente está rodando la serie para Netflix “Jaguar”. También la hemos podido ver en “Élite”, “Amar es para siempre”, “Buscando el norte”, “La Sagrada Familia”, “Aida”, “El faro”, “Acacias 38”, “Yo soy Bea”, y es la voz española de Christine en la película musical “El fantasma de la ópera”, dirigida por Joel Schumacher.Formó parte del elenco de “Disney in concert”, con el que realizó gira por España acompañada de las orquestas sinfónicas más prestigiosas.Recibió el Premio de la Crítica de Catalunya y el Premio Gran Vía además de diversas nominaciones a los Premios de Teatro Musical, Premios Chiva Telón, Premios Butaca y Premios Gran Vía.Compagina el escenario con la docencia en su Escuela de canto Mev.
Duración aprox.: 105 minutos
Edad : Todos los públicos
GISELLE POR LA COMPAÑÍA NACIONAL DE DANZA
GISELLE en montaje de la Compañía Nacional de Danza es de asistencia obligada para todos los amantes de la danza.
Una verdadera obra maestra, fruto del esfuerzo y trabajo de la CND, no se debe dejar de ver bajo ningún concepto en el Teatro de la Zarzuela.
Con una soberbia coreografía y dirección de escena de JOAQUÍN DE LUZ (a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli)
Bellísima música de ADOLPHE-CHARLES ADAM (versión musical: Joaquín De Luz y Oliver Díaz)
Extraordinario libreto de Borja Ortiz de Gondra y Joaquín De Luz (a partir del original de Jules Henry Vernoy y Theóphile Gautier)
La ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID, Titular del Teatro de la Zarzuela, tocó con brillantez, precisión y firmeza.
La diestra batuta de César Álvarez facilitó la presencia del interés de principio a fin.
Un estreno absoluto, que mereció la pena haberse montado.
Una Giselle vista a través del romanticismo español e inspirada en la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer.
En 1841, la Ópera de París estrena el ballet Giselle, en el que el poeta Théophile Gautier, inspirándose en leyendas alemanas de Heinrich Heine, crea mitos románticos que marcarán toda la historia de la danza: inocentes campesinas enamoradas, fiestas de la vendimia, apuestos príncipes seductores, fantasmas espectrales de espíritus del bosque… El año anterior, Gautier había visitado España y con su libro Le voyage en Espagne inaugura la moda romántica de los viajeros europeos que descubren el país, sus tipos populares y sus danzas tradicionales. En 1863, el poeta español Gustavo Adolfo Bécquer se retira al Monasterio de Veruela, en la Sierra del Moncayo, y allí, rodeado de bosques y naturaleza, escribe sus rimas de amores desgraciados y leyendas de tristes destinos.“Para esta nueva versión que presenta la Compañía Nacional de Danza hemos querido imaginar una Giselle vista a través del romanticismo español: inspirándonos en la poesía de Bécquer, bailaremos la historia de esa muchacha enamorada del apuesto viajero extranjero al que amará más allá de la muerte. Sin abandonar los elementos que han hecho de esta obra una de las cumbres del ballet clásico, en nuestra Giselle aparecerán también la escuela bolera y las tradiciones españolas, y en el bosque nocturno donde habitan las wilis, esos espíritus de muchachas muertas antes de casarse, las voces del viento susurrarán versos de Bécquer. Al final de Giselle, la fuerza del amor y la fuerza de la danza vencen a la muerte y la oscuridad. Esa es la esperanza que nos guía en este espectáculo.”
Joaquín de Luz y Borja Ortiz de Gondra
Coreografía y dirección escénica: Joaquín De Luz (a partir de la original de Jules Perrot y Jean Coralli)
Música: Adolphe-Charles Adam (versión musical: Joaquín De Luz y Oliver Díaz)
Dirección musical: Óliver Díaz
Libreto: Borja Ortiz de Gondra y Joaquín De Luz (a partir del original de Jules Henry Vernoy y Theóphile Gautier)
Dramaturgia: Borja Ortiz de Gondra
Escenografía: Ana Garay
Figurines: Rosa García Andújar
Diseño de iluminación y creación de vídeo: Pedro Chamizo
Ayudante de escenografía: Isi López-Puget
Ayudante de vestuario: Lucía Felis
Construcción de escenografía: Proescen
Confección de vestuario: D’Inzillo Sweet Mode
Taller de utilería: Carlos del Tronco
ORQUESTA DE LA COMUNIDAD DE MADRID
Titular del Teatro de la Zarzuela
Director de Orquesta: César Álvarez
EXPOSICION CORNEJO EL SASTRE DE GALDOS EN LOS TEATROS DEL CANAL
La exposición Cornejo el sastre de Galdós que podemos ver en el hall de la sala verde de los Teatros del Canal, es de visita obligada para todos los amantes de la cultura en general y el teatro en particular.
Con un impecable trabajo curatorial, ideada y documentada por Carmen Lucini y Juan Carlos Pérez.
No pude dejarse de ver bajo ningún concepto.
Tanto Cornejo como Galdós cumplen 100 años y en esta muestra vemos la relación entre estos dos genios.
Humberto, el actual propietario de Cornejo, nos explica como ha llegado a ser la mejor sastrería desde sus inicios, y ha sido, generación tras generación, guiándose por los siguientes principios
Hay que hacer siempre lo que quiere el figurinista, si se equivoca el que se equivoca es él, nosotros somos artesanos al servicio de artistas. El orden del artesano debe combinarse con la caótica del artista. Un 50% de improvisación y un 50% de orden
Hay que fijarse en lo que hacen los mejores, he conocido los talleres de la sastrería británica Angels reconocida como la mejor sastrería del mundo y ellos han conocido nuestro taller y ambos hemos llegado a la conclusión que no hay apenas diferencias.
Hay que tener en el equipo del taller a los mejores profesionales.
Hay que trabajar para los mejores figurinistas, que tengan las ideas claras, e incluso algunos vienen con los diseños dibujados.
Carmen Lucini, comisaria de la exposición, nos dice
He elegido el blanco como fondo para que el protagonista sea el traje y resalte sobre el fondo.
En la primera escena he reproducido el despacho de don Benito, con los libros que más le gustaban y le servían de inspiración: Cervantes, Emilia Pardo Bazán o Tolstoi… Un guiño a un escritor incansable, que tocaba todos los palos, con un único estilo narrativo. Salieron de su pluma artículos de prensa, discursos para el congreso, cartas de amor, episodios de historia, descripciones de ambientes y personajes que la literatura y el teatro han conseguido salvar del olvido… gracias a la fidelidad de todos aquellos lectores que saben que los libros ayudan a pensar.
En la segunda escena recreo el taller de sastrería de la casa cornejo, como era en la época, bastión de la creación de ensueños. Entender una historia, interpretar una maqueta o un dibujo en dos dimensiones y transformarlo en un volumen a través de textiles, bien elegidos, con un conocimiento justo del cuerpo y las técnicas de corte no es tarea fácil. La narrativa de un personaje pasa también por el acierto en la elección de un brocado, de una pluma, de un botón, del detalle de una enagua, de la curva de un escote. Un homenaje a todos los oficios en la sombra, intérpretes sensibles y discretos de sueños ajenos.
En la tercera escena una vista de la intimidad de un camerino, en homenaje a los actores y actrices de repertorio, que en esa época lo hacían todo El camerino es un espacio de inspiración, silencio, concentración, observación, pilares del talento…donde se celebran los éxitos y se lloran los fracasos. Una carrera envuelta en sedas, linos, encajes, capas, corsets…
En la escena cuarta el territorio privilegiado del espectador, todo al servicio del talento colectivo, luces, escenografías, decorados, maquillaje, vestuario… todo bajo la batuta del director escénico. Plaza mayor es un extracto de los Episodios Nacionales de Galdos, obra teatral representada en el Teatro Albéniz de Madrid en 2008 bajo la dirección de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Puesta en escena emocionada y emocionante, donde no falta de nada: caballos, mamelucos, soldados de ambos bandos, cañones y sobre todo pueblo de Madrid, mujeres y hombres valientes y determinados, que nos recuerdan que no hay que olvidar las lecciones de la historia.
La escena quinta trata de los cómicos itinerantes que hacían sus representaciones de pueblo en pueblo, así lo dice el diccionario, ya en el siglo XIX los comediantes eran nómadas de vocación. El respeto de la saga familiar, ver mundo y entender los diferentes públicos formaba parte del ADN de estos viajeros. Curiosos y trabajadores, no tenían miedo a nada, interpretes y empresarios ingeniosas que sabían hacer de todo desde imprimir un programa a negociar con el autor, pasando por llenar un teatro o cargar y descargar baúles, cortar y coser una manga o tirarse al suelo a cambiar un reumático pinchado.
María Guerrero formó parte de esta raza incombustible de profesionales de la que se han conservado una gran parte de la sabrosa correspondencia enviada a Galdós a lo largo de sus periplos por España y Argentina.
Lejos del escenario los trajes que se exponen, salen de su retiro con todo su poder de evocación.
Así con la pluma de Galdós y con la tijera de Cornejo hemos realizado este recorrido que nos recuerda:
-Que cada cual puede escribir su propia historia
-La importancia de aplicarse para dominar un oficio
-La dificultad de cultivar un espacio de silencia, de trabajar en equipo, de no tener miedo a nada.
Un concentrado de escenas para no olvidar que la mejor farmacia está en la biblioteca, y en la sala del teatro, allí donde el saber y las emociones encuentran cobijo.
Carmen Lucini concepto, expografía y comisaria de la exposición junto a Juan Carlos Pérez de la Fuente director del año Galdós. Con el vestuario del Fondo Cornejo SA.
LA BALADA DE CAPERUCITA EN EL TEATRO TRUBUEÑE
La balada de Caperucita es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del arte escénico.
Una obra henchida de poesía, belleza a raudales y sensibilidad.
Irina Kouberskaya dirige magistralmente a los actores.
El interés se mantiene por la gran dirección escénica y el talento interpretativo de Manuela Donaire, Ana Moneni, Miguel Pérez-Muñoz, todos magníficos en sus respectivos personajes, artistas preparados, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora.
Con una estupenda composición musical de Guzmán Marcos
No se puede dejar de ver bajo ningún concepto.
La balada de Caperucita es un proyecto escénico creado a partir del poema del mismo nombre compuesto por Federico García Lorca.
El escenario acoge y armoniza un mosaico de recursos: la interpretación, la danza, la proyección de escenas cinematográficas, la música.
El ancestral cuento o mito de Caperucita ha sido transformado por el poeta en una suerte de Divina comedia en la que la niña recorre distintas estancias de la mente y el espíritu pobladas de seres mitológicos.
Héroes, dioses, diablos, hombres justos, santos olvidados en desvanes, van a aparecer en el escenario mientras la niña traza su camino. La abuela y el lobo llevan la parte de acompañamiento musical.
Una de las obras más desconocidas de Federico García Lorca, La balada de Caperucita plantea un viaje desde la aparente realidad hacia el misterio del ser humano. Tierra y cielo son los escenarios de esta farsa poética que confirma con infinita belleza la pertenencia del hombre al universo.
La directora, Irina Kouberskaya, ha encontrado una lectura de la historia que favorece la unión de todos los conceptos del poema de una forma armoniosa, y explica: la niña se pierde entre las bambalinas del teatro por la noche, la vida de teatro tiene todos los componentes necesarios, atrezzos, escenografía, vestimentas que en la fantasía de la niña van a representar la tierra y el cielo. El teatro de noche es el cuerpo que respira vive y se desespera en su soledad, necesitando la acción.
Para saber tu cuento dulce que nunca oyes,
para tener secretos de inocencia serena,
y entender lo que dicen profetas ruiseñores,
Porque tienes el alma más perfecta que existe.
– ¿Qué es el alma?
– Unas flores que tienes escondidas debajo de la carne.
– Agua, son bonitas.
– Son auroras sin noches.
Fechas del evento
del 11-dic. 2020 al 26-dic. 2020
Horario(s) evento
20:00h, 19:00h
Idioma
Castellano
Tipo de audiencia
Para todas las edades
Categoría
Teatro
Teatro Tribueñe
Sancho Dávila, 31 (Madrid)
ANTOINE A PARTIR DEL 19 DE DICIEMBRE
EN EL TEATRO EDP GRAN VIA
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
Antoine, es un musical de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Tiene una temática transcendente y original que engancha desde el principio y provoca emociones y sentimientos en el espectador.
El interés se mantiene por la gran dirección escénica de Ignasi Vidal que es, además, el autor de esta obra inatacable, mantiene una intensidad absoluta de principio a fin
Prevaleció en todo momento la estética y el buen teatro, la belleza, la poesía, el virtuosismo y la emoción.
El reparto redondo.
Los actores Javier Navares, Shuarma, Beatriz Ros, Alberto Vázquez, Carmen Barrantes, Paula Moncada y Victor Massán, se saben mover de acuerdo sus personajes y las exigencias del libreto.
Los cantantes absolutamente adecuados a los personajes
Con un fondo escenográfico acertado de Alessio Meloni.
Miguel Ángel López, pianista y director musical, que guía con brillantez, precisión y firmeza admirables
Bellísima la música de Elefantes basada en una idea original, y producción ejecutiva, impecable de Dario Regattieri.
Felipe Ramos, diseña una iluminación muy acorde con la historia y los decorados.
Mariano Botindari coreógrafo hace que los movimientos se funden en el conjunto.
No dejen de ir al Teatro EDP Gran Vía a partir del 19 de diciembre, me lo agradecerán.
Antoine, la increíble historia jamás contada del creador de El Principito.
Una obra de teatro musical de Saint-Exupéry, un gran hombre que veía el mundo con los ojos de un niño. Porque, como decía él, lo esencial es invisible a los ojos.
Un espectáculo de gran formato del que muchos saldrán sorprendidos y emocionados, escrito y dirigido por Ignasi Vidal y composición musical e interpretación de Shuarma de Elefantes.
¿Y si detrás de una de las historias más grandes jamás contadas hubiera otra historia?
Conoce la vida y obra de Antoine de Saint-Exupéry, creador de El Principito.
“Antoine, la increíble historia del creador de El Principito” es una obra de teatro musical que da a conocer la vida del autor de El Principito, utilizando la obra que le dio fama mundial, y que es en realidad una autobiografía poética que refleja su compleja humanidad.
Con Antoine descubrimos la historia de un hombre tan grande que fue capaz de ver el mundo desde los ojos de un niño.
Después de ver este gran vuelo con música en directo que es Antoine, descubrirás una nueva manera de entender El Principito.
Elenco y voces principales:
Javier Navares, Shuarma, Beatriz Ros, Alberto Vázquez, Carmen Barrantes, Paula Moncada y Victor Massán.
Equipo creativo:
Ignasi Vidal autor y director
Alessio Meloni Escenógrafo
Felipe Ramos, diseño de iluminación
Mariano Botindari, coreógrafo
Miguel Ángel López, pianista y dirección musical.
Música: Elefantes.
Idea Original, y productor ejecutivo: Dario Regattieri
Duración aprox.: 105 minutos
Edad: Todos los públicos
Cartelera, Musicales,
A partir del 19 de diciembre, Antoine continuará sus actuaciones en el Teatro EDP Gran Vía.
LA HABITACIÓN DE MARÍA EN EL TEATRO REINA VICTORIA
La habitación de María es una obra maestra de la interpretación teatral, Concha Velasco en el papel de Isabel Chacón, está magistral.
Concha Velasco es una artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora. Abordando detalles que avalan su clase.
El libreto de Manuel Martínez Velasco, hijo de la intérprete, es inatacable, y permite lucirse a la artista adecuadamente con su gran calidad.
La obra es de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
La espléndida dirección de José Carlos Plaza facilita la presencia inniterrumpida del interés de principio a fin.
Una impecable producción de Pentación Espectáculos.
No dejen de ver La habitación de María bajo ningún concepto.
La célebre escritora Isabel Chacón cumple hoy 80 años. La flamante ganadora del Premio Planeta, que no pudo recoger en persona por la agorafobia que sufre, celebra hoy su aniversario sin ningún tipo de acto público, ni familiar, como viene siendo habitual en los últimos años.
Son 43 años en concreto los que Chacón lleva recluída en su domicilio por su condición, la planta 47 de un rascacielos madrileño que ha convertido en su fortaleza y donde todo lo que necesita (comida, ropa, medicamentos…) le es llevado a casa. Esa noche se produce un incendio y todos los inquilinos son obligados a evacuar el inmueble. Pero para Isabel esto es imposible, sencillamente «no puede» salir de casa.
A medida que las llamas van llegando a la azotea, exactamente durante 75 minutos, Isabel tendrá que tomar la decisión más importante de su vida afrontando con un inteligente sentido del humor sus miedos, sus fantasmas, y todos los traumas de su vida que le han llevado a esta encrucijada, antes de que sea demasiado tarde…
Reparto
Concha Velasco
Ficha artística
Autor: Manuel Martínez Velasco
Diseño escenografía e iluminación: Paco Leal
Espacio Sonoro: Arsenio Fernandez
Edición de Video: Antonio Durán y David Cortázar
Video escena: Bruno Praena
Primer Ayte de Direccion: Jorge Torres
Segundo Ayte de Dirección: César Diéguez
Jefe de Produccion: Pablo Garrido
Jefe Técnico: David P. Arnedo
Ayte de Producción: Carolina Morocho
Voz Luccio: Salvador Vidal
Presentadora: Flora López
Reporteros: Eduardo Joaquín Ramiro, Jorge Torres, Marcos De la Rosa y Pablo Vélez
Fotografía: Sergio Parra
Diseño gráfico: David Sueiro
Productor: Jesús Cimarro
Dirección: José Carlos Plaza
Una producción de Pentación Espectáculos
Agradecimientos: Círculo de Bellas Artes
Desde el 21 de octubre de 2020
Duración: 70 minutos.
Edad recomendada: mayores de 16 años.
(Esta recomendación no impide el acceso a la sala.)
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Horarios
Martes a viernes a las 20:00h
Sábados a las 19:00h
Domingos a las 18:00h
Convocados por Eva Calleja, responsable de prensa de la película LOS EUROPEOS, tuvimos una conversación, en un formato muy acertado e instructivo, que consiste en hablar sucesivamente con los miembros del equipo en pequeñas mesas de 5 personas, con su director y algunos de los responsables artísticos y técnicos de la película, para conocer un poco más su trabajo. Nos acompañaron:
VÍCTOR GARCÍA LEÓN el director que nos contó su admiración por Rafael Azcona el autor de la novela en la que está basada la película y como en las películas de Berlanga de las que Azcona era coguionista junto al director valenciano, chocaba el optimismo de Berlanga y el pesimismo de Azcona, haciendo juntos unos guiones donde perfectamente se integraban lo dulce y lo amargo, sin que prevaleciera del todo ninguna de las dos tendencias, pero ambas estaban presentes.
En la película se retrata como es el español, verdugo y víctima a la vez, no se ve con buenos ojos al que triunfa y se le intenta hundir, pero al que fracasa tampoco se le perdona y también se le hunde. De facto, comento yo, avalando esta afirmación, la ley de segunda oportunidad es muy reciente, hasta hace apenas un año, el que tenía una deuda una vez en la vida, pasaba a una lista de morosos y no se le daba nunca más un crédito, ni podía jamás salir de ella.
Su trabajo como director consistía en tener que elegir constantemente, que plano elegir, que se veía en él, como se entiende mejor lo que quiero decir, si tengo dos planos y en uno hay una fotografía muy buena, estéticamente impecable pero el actor está mal en su actuación y en el otro plano, la imagen está casi desenfocada y es antiestética pero el actor trabaja mejor , dice su papel de forma más creíble, me quedo sin duda con este segundo plano. Entre la estética y la interpretación, cuando tengo que elegir, siempre la interpretación.
Para mi trabajo, nos cuenta Víctor García León, escucho al equipo primero y luego toma las decisiones, a veces tengo que hacerme valer, pero en el fondo soy fácil de convencer, me ocurrió con un plano en el motel donde al principio yo lo quería rodar de una manera y Eva Díaz la directora de fotografía de otra, al final se rodó como ella proponía.
EVA DÍAZ- Directora de Fotografía, que nos descubrió que toda la película está rodada con cámara en mano y película de 5.000 asa, especial para el film, en analógico, para poder rodar con más autenticidad las secuencias de fiestas nocturnas de Ibiza.
La película que utilizo en Ibiza es Kodak Color Vintage para dar la imagen de más antiguo y en las secuencias de Barcelona, que en aquel entonces estaba más avanzada Kodachrome.
Emplea tecnología Lexa que combina con super fler, según las secuencias exigieran una u otra tecnología.
El objetivo predominante que se empleó en la cámara fue de 40.
LENA MOSSUM- Directora de Vestuario y Figurinista, nos contó que cuidó al máximo todos los detalles de vestuario de la película cuya acción transcurre en el año 1958, con la ayuda de Cornejo y algunos trajes que fueron tejidos directamente por ella, y consiguió relojes, bolsos y otros complementos de la época.
Los españoles vestían más recatados, colores apagados, eran en su mayoría payeses (campesinos baleares) y vestían como tales, mientras que los atuendos de los extranjeros tienen colores vivos, alegres y dejaban ver más piel.
También los bikinis eran distintos, más sucintos los de las extranjeras y más amplios los de las españolas.
En la película, si se ponían en topless y venía la Guardia Civil, corrían a meterse en el agua para que no las vieran, pues en 1958, si en la playa se estaba en topless te ponían una multa por escándalo público.
PEDRO SOTO-Sonido directo, que nos contó como hay que jugar con los micrófonos unidireccionales o omnidireccionales, según sea el plano y los ruidos de fondo, si hay cuchillos tenedores y cucharas hay que ponerlas de plástico pero que aparenten ser de metal, pues estos hacen mucho ruido de fondo, el sonido directo tiene que tener en cuenta también las calidades, si hay una mesa de mármol, es muy malo, pues rebota el sonido y hay que poner material absorbente sobre la mesa y luego un mantel encima para taparlo. El ruido fuerte de la calle, hay que combatirlo con micros más direccionales y cercanos al actor, pero siempre que el encuadre lo permita y no se vean los micros… Nos cuenta que la poca musicalidad del español frente al inglés o el italiano, hace que a los actores se les entienda menos lo que dicen.
FERMÍN GALÁN-Responsable de Peluquería, comenzó su carrera en la época de la movida 1979, pues aunque nacido en Madrid, se marchó a Bélgica y en ese año vino a España, hacía peluquería para los desfiles de moda de los diseñadores de la época, para el fotógrafo Pablo Pérez-Mínguez, uno de los que más fotografío la movida y capta en la película LOS EUROPEOS los peinados de ibicencos y extranjeros con perfección.
También estuvieron presentes en estas conversaciones los productores JAIME GONA y ENRIQUE LÓPEZ LAVIGNE y el montador BUSTER FRANCO, pero no pudimos hablar con ellos.
La película de Víctor García León nominada a cuatro Premios Feroz, entre ellos, Mejor Película de Comedia, Mejor Actor Protagonista, a Raúl Arévalo y Mejor Actor de Reparto, para Juan Diego Botto, quien también está nominado al Premio Forqué al Mejor Actor La responsable de maquillaje, Sophie Farsat, y la directora de arte, Anna Pujol, estaban fuera de Madrid, por lo que no pudimos hablar con ellas.
Actualmente Los Europeos se puede disfrutar en cines de la mano de Filmax y está disponible también en Orange Series, el canal exclusivo de Orange TV.
Los Europeos está producida por Jaime Gona, Enrique López Lavigne y Xavier Granada.
Narra la historia de Miguel Alonso, que se gana la vida como delineante, y Antonio, el hijo tarambana de su jefe, que lo arrastra a veranear a Ibiza, donde le han hablado de lo fácil que es ligar con europeas. Tras los primeros escarceos desesperados con unas chicas valencianas que se encuentran a su llegada, los dos amigos van conociendo la particular fauna de juerguistas que pululan por la isla con ganas de pasárselo bien. Mientras Antonio enlaza fiestas y salidas nocturnas, Miguel, más escéptico, prefiere mantenerse al margen. Hasta que se siente seducido por Odette, una francesa encantadora.
Los Europeos es una producción de Gonita Filmacción, Apache Films, A Contraluz Films, Los Europeos La Película A.I.E. e In Vivo Films (Francia). Cuenta con la participación de RTVE, ICAA, ICEC, Orange, TV3 e IB3 con el apoyo del Govern Illes Balears y del Institut Ramón Llull. Filmax se ocupa de la distribución y ventas internacionales.
24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER EN EL TEATRO GALILEO
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
Una verdad a medias no tiene ningún valor sólo la tiene la que se expone en su integridad. Con esta frase comienza 24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER, una obra de asistencia obligada para todos los amantes del teatro.
Una impecable producción de LAMARSÓ produce
Una obra maestra sin ningún género de dudas.
24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER tiene una temática transcendente y original que engancha desde el principio.
Provoca emociones y sentimientos en el espectador.
Es intensa, y logra ese punto mágico que sólo las grandes obras logran de convertir al espectador en energía, absorbiendo sus sentidos y creando las neuronas espejo donde todos los asistentes razonan y viven al unísono lo que ocurre en el escenario.
Silvia Marsó es una artista preparada, con calidades extraordinarias, luciendo primorosa y riquísima técnica, plural variedad de matices y personalidad arrolladora. Abordando detalles que avalan su clase.
En el 75 aniversario de la muerte del celebre escritor Austriaco Stefan Zweig, basada en su obra del mismo nombre, con una inatacable adaptación de Ignacio García que permite lucirse a la artista adecuadamente con su gran calidad. La obra literaria se convierte en un intimista espectáculo musical de cámara.
La espléndida dirección de Ignacio García facilita la presencia inniterrumpida del interés de principio a fin.
Con extraordinaria música original de Sergei Dreznin.
Trabajada dramaturgia de Christine Khandjian y Stéphane Ly-Coun.
Diestra dirección musical de José Ferré.
Fondo escenográfico acertado de Arturo Martín Burgos.
Adecuada iluminación de Juanjo Llorens.
Buen trabajo de vestuario de Ana López Cobos.
Sobre el escenario todos los actores están magistrales en sus respectivos personajes: Felipe Ansola y Germán Torres.
Miguel Huertas al piano, Gala Pérez Iñesta en el violonchelo e Irene Celestino Chico al violín hacen que la música fluya con vivacidad, se funde con las voces provocando contagiosa fuerza, plena y poderosa
No dejen de ver bajo ningún concepto a ver 24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER en el TEATRO GALILEO.
Una reflexión sobre los caminos imprevistos de la vida que nos lanzan a abismos insondables, llevando a una aristócrata de vida cómoda a enfrentarse a todos sus principios vitales y morales.
Una mujer acomodada, con una estable y burguesa vida, tendrá una experiencia única, absolutamente imprevista, que le pondrá frente a todos sus principios vitales y morales. Con esta sencilla y poderosa historia, Zweig, nos propone una reflexión sobre los caminos no premeditados de la vida que nos lanzan a abismos insondables, transformándonos para siempre.
24 HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER desentraña los misterios de la naturaleza humana y nos muestra como el destino puede convertirse en catalizador de un profundo debate moral, cuando los personajes se ven enfrentados durante 24 horas a sus propias normas de conducta, las que, hasta entonces, han guiado sus vidas. Es la eterna lucha por superar la contradicción entre la necesidad de pertenecer a un grupo social, compartiendo sus reglas, o anteponer el irrenunciable anhelo individual de existir emocional y sentimentalmente.
En determinadas circunstancias, cuando el destino nos empuja a una situación límite, cuando los sentimientos y las pasiones se escapan a nuestro control… ¿somos capaces de romper esas barreras para conquistar la libertad?
El narrador, alojado en un lujoso hotel de la Riviera, nos cuenta un hecho que ha conmocionado a todos los huéspedes: una honorable dama, ha abandonado a su familia, para huir con un joven pocas horas después de conocerle. Ante los persistentes insultos e improperios de los veraneantes contra la fugitiva, una distinguida aristócrata, Mrs. C huésped también, pone en cuestión, tal juicio moral, relatándole al narrador un episodio vivido años atrás y que supuso para ella, algo parecido:
Siendo viuda y con hijos ya mayores, Mrs. C observa en el casino de Montecarlo a un joven jugador que esa noche pierde todo su dinero en la ruleta. Desesperado el joven abandona el casino y ella, tras seguirlo, consigue evitar su suicidio. Compasiva Mrs. C. le ofrece pagar su alojamiento esa noche y darle una cantidad para que abandone Montecarlo al día siguiente y pueda saldar sus deudas. Al llegar al hotel el joven se aferra desesperadamente a aquella mujer a la que considera su salvadora y Mrs. C conmocionada y ante el temor de que el joven intente de nuevo suicidarse, decide no separarse de él durante las siguientes 24 horas…
Deambulando entre el musical, el teatro y las emociones, una curiosa y poderosa función, plagada de aciertos.
El romanticismo de 24 horas en la vida de una mujer.
No se olviden: Una verdad a medias no tiene ningún valor sólo la tiene la que se expone en su integridad.
Equipo artístico
Autor: Stefan Zweig
Dirección y adaptación: Ignacio García
Dramatúrgia: Christine Khandjian & Stéphane Ly-Coun
Composición musical: Sergei Dreznin
Dirección musical: José Ferré
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Diseño de iluminación: Juanjo Llorens
Coreografía: Carlota Ferrer
Diseño de vestuario: Ana López
Distribución: Salbi Senante
Producción ejecutiva: Lamarsó-produce
Dirección de producción: Silvia Marsó
Una producción de LAMARSÓ produce
Reparto: Silvia Marsó, Felipe Ansola y Germán Torres
Músicos: Miguel Huertas (piano), Gala Perez Iñesta (violin), Irene Celestino (violonchelo)
PIN8 EL MUSICAL EN EL TEATRO CALDERON
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
Pin8 el musical es una obra de asistencia obligada para todos los amantes del musical.
Impecablemente producida por ShowPrime.
No se puede dejar de ver bajo ningún concepto «Pin8, el musical» en el teatro Calderón.
¡El clásico reinventado!
El musical familiar de estas navidades
Teatro familiar
La joven Cereza inventó una máquina pero encontró un amigo.
Cereza, una niña inventora de 14 años, intrépida, superdotada, extremadamente creativa, pero con un gran problema: sin don de gentes, así que tiene una ardua necesidad de tener amigos de verdad. Como no lo consigue, ni siquiera a través de las redes sociales, decide comenzar un experimento con el cual creará un niño androide (PIN8), que se convertirá en su mejor amigo. El experimento no sale como ella desea, y PIN8 resulta ser eso, un androide sin sentimientos.
Cereza procura educarle, le enseña incluso a mentir para que la quiera o se preocupe por ella. Nada funciona y Cereza cae en la desesperación. Pero la magia aparece, y de su increíble ordenador brota “Troyana”, un virus informático bueno, que le ayudará a darle vida a PIN8. Esto sucede, pero PIN8 solo sabe mentir, es lo único que le ha enseñado Cereza, así que a partir de ahí, comienza una aventura por conseguir que PIN8 sea un niño sincero y sobre todo, quiera de verdad a Cereza. Si no lo consigue, se convertirá de nuevo en un androide…
¿Conseguirá cereza que PIN8 no mienta y sean amigos de verdad?
Duración: 90 minutos aproximadamente.
Una producción de ShowPrime
Del 20 de diciembre de 2020 al 31 de Enero de 2021
TEATRO CALDERÓN
C/ Atocha 18; 28.012 Madrid
91 542 97 47
ENTRE DIVAS EN EL TEATRO SOHO CLUB
Por Eduardo Jáudenes de Salazar
ENTRE DIVAS es un espectáculo de asistencia obligada para todos los amantes de la música.
Las divas cantan y bailan, hay que verlas.
ENTRE DIVAS es un show muy entretenido y gratificante, nos hace pasar un buenísimo rato escuchando y viendo a estas dos estupendas cantantes, que además tienen muy buen karma, que cantan muy bien y también interpretan acertadamente sus respectivos personajes, divas del pop y folklóricas españolas en su casi totalidad.
Mara Barros es la Diva de los lunares. Domina el folclore como nadie. Con fuerte carácter y mirada desafiante, defiende a sus Divas con talento y sentido del humor.
Roser es la Diva suprema. Los brillos y las plumas son su seña de identidad. De carácter arrollador y humor irónico, adora la música pop, la revista y los musicales.
El contrapunto, con acertado humor, lo da Pedro Mancera, el estilista gay, no hay Diva sin un estilista a la vista. Con mucho vivido alrededor de sus adoradas artistas, él también se siente una Diva, y no pierde la oportunidad de demostrarlo.
Roser y Mara Barros a parte de lo dicho, son bellas y atractivas y saben lucir sus cuerpos con una cuidada selección de trajes según el personaje que interpretan.
ENTRE DIVAS es un show musical en clave de humor donde las artistas Roser y Mara Barros homenajean a las damas de la canción más importantes de nuestro país, compartiendo con el público anécdotas, curiosidades y grandes éxitos que son historia de la música española del último siglo. Acompañadas del actor y bailarín Pedro Mancera, juntos crean un tándem lleno de complicidad y comicidad que llevará al espectador a disfrutar de momentos inolvidables.
Entre Brillos y Lunares, entre risas y cantares. Dos mujeres todo terreno con estilos muy distintos pero con personalidades muy parecidas que debatirán sobre el escenario el dilema de saber cuál de nuestras leyendas es la más Diva.
Rocío Jurado o Mónica Naranjo, Sara Montiel o Alaska… El conflicto está servido.
No dejen de ir al TEATRO SOHO CLUB y ver ENTRE DIVAS, me lo agradecerán.
Ficha Artística
Escrita y dirigida por: Roser Murillo
Diseño y Dirección Artística: Joeman del Río
Reparto
Roser Murillo
Mara Barros
Pedro Mancera
Del 6 de noviembre al 2 de Enero
Comedia Musical
Duración 80 minutos
** Apertura de taquilla 1 hora antes del inicio
** Apertura de la sala 15 minutos antes del inicio
** No se permitirá el acceso a la sala una vez comenzada la función
Dirección: Plaza de España, 6, 28008 Madrid
Teléfono: 615519427